COMUNIDAD

En 2021 se presentó la segunda exposición, Pandemic City / Ciudad Pandémica, un proyecto que, en el contexto online de la pandemia, buscaba articular un debate en torno a los cambios acaecidos en el espacio público de la ciudad, subrayando aquellos espacios abiertos que trazan nexos de unión entre sí en las áreas urbanas. Esta exposición incluía un primer glosario de términos en relación a la pandemia y la nueva situación social en torno al territorio y sus interrelaciones interior-exterior; global-local; y personal-político.

En esta tercera exposición Pandemic Community / Comunidad Pandémica, se pone énfasis en la propia comunidad online e híbrida. Hoy día, la presencia en los espacios tanto exteriores como interiores se entremezcla con los nuevos entornos virtuales gracias a las plataformas online (Teams, Meet, Zoom, etc). Estas nos permiten desarrollar un arte de conexión comunitaria, interrelacionado con las cuestiones fundamentales que emergen en la esfera pública más actual, donde la tercera fase de la pandemia ha llegado a Europa, con la consecuente apertura de medidas. En este contexto se sitúan las principales propuestas expositivas de las personas artistas emergentes seleccionadas, sumando a ellas la colaboración de artistas invitados de reconocido prestigio internacional, provenientes del contexto artístico latinoamericano (México, Colombia, Chile y Brasil). Son en total treinta y ocho artistas que han trabajado de forma individual y/o colectiva, algunas de forma ex profeso para esta exposición y otras mediante aportaciones de sus obras concebidas previamente, adaptadas a una o varias de las secciones propuestas.

Conceptos

En un momento en que nos encontramos con un “nuevo planeta” debido a la presencia de una nueva enfermedad que ha alterado por completo todas las esferas de la vida humana, algunas personas epidemiólogas prefieren pensar que se trata de una cuestión pasajera mientras que otras abogan por considerar la situación desde la perspectiva de la “nueva normalidad”, a la que se irán sumando nuevos virus, zoonosis, variantes y mutaciones. En este sentido, la organización Our World in Data se encarga de recopilar los datos de la evolución de la pandemia en el mundo y visualizarlos tanto por casos como por muertes en función de la población, sin ir más allá de los datos cuantitativos. Sin embargo, como sabemos, el propio concepto de comunidad se está viendo afectado por esta pandemia, que desestructura familias enteras, pueblos y comunidades, sobre todo aquellas con menos recursos, las más pobres. Ejemplo de ello son los Yanomamis, la comunidad indígena de la Amazonía en Brasil, a quienes la pandemia ha causado ya más de 70.000 muertos.

Esta exposición Pandemic Community, no es una reflexión sobre la pandemia en sí misma sino sobre las consecuencias principales que han quedado implícitamente reforzadas a consecuencia de esta y que implican fundamentalmente las cadenas de cuidados, la ciudad, el territorio, la naturaleza, los recursos, la economía, y las nuevas tecnologías de producción y comunicación. Siguiendo este espíritu, se han formulado seis apartados como temas principales del proyecto, que abarcan los siguientes secciones-conceptos en relación a la esfera pública y privada:

1. La inmunidad
2. Los mapas
3. El consumo
4. El planeta
5. La interseccionalidad
6. Las redes

La inmunidad se define como un estado de resistencia, natural o adquirida, que poseen ciertos individuos o especies frente a determinadas acciones patógenas de microorganismos o sustancias extrañas. Este término ha ido adquiriendo relevancia más allá de los campos científicos de la biología y la medicina para concretarse en un debate filosófico, según lo interpreta el reconocido autor italiano, especialista en filosofía moral y política Roberto Espósito. Desde sus teorías anticipatorias, la “comunidad, la inmunidad y la biopolítica son los términos que indican la clausura del léxico político moderno en una época que se desplaza mucho más allá de sus límites. También son palabras que inauguran un nuevo modo de pensar la política en el momento que más interpela a la vida, entendida en su dimensión biológica.”

En este sentido, cabe entender la propia vida como sujeto político y ya no como objeto, en un análisis que pone a la comunidad y el bien común en el punto de mira, y a la colectividad como forma ineludible para alcanzar esta “inmunidad”.

Si bien el término inmune es sinónimo de invulnerable, y la propia inmunidad se conceptualiza como un proceso o estado que combate las enfermedades para su superación, la inmunidad puede ser entendida también de forma colectiva bajo el paraguas de Espósito, quien nos da las claves para interpretar la necesidad de generar una protección intercomunitaria en la sociedad globalizada. A tenor de las pandemias, las guerras y las desigualdades sociales, se plantearía una inmunidad social donde la propia comunidad estaría mediada por la vida.

Como iniciación a esta propuesta que abarca el desarrollo artístico a partir del concepto de inmunidad se realizó un taller coordinado por la Plataforma de acción e investigación artística Idensitat mediante la participación de la gestora cultural Roser Colomar Palazón, desarrollando proyectos de creación contemporánea emergentes que supusieron el pistoletazo de inicio del proyecto. A este respecto se puede consultar el artículo de Roser Colomar en: TALLER. Inmunidad – Comnidad. También en años anteriores se habían desarrollado otras temáticas mediante colaboraciones conjuntas, como es el caso de la publicación editada por Roser Colomar y yo misma y titulada Estéticas transversales. Ecosistemas de Ficción: On està l’aigua de València (2021); así como la colaboración llevada a cabo conjuntamente con Chema Segovia en el taller y publicación titulada Tácticas Públicas 05 / Leisure Ecosystems – Ecosistemas del Ocio (2019). Algunos de los resultados de este proyecto titulado Estéticas transversales. Ecosistemas del Ocio, fueron mostrados en formato documental en el Centre del Carme CCCC de Valencia, España.

Los mapas constituyen la siguiente parada en nuestro recorrido conceptual. No cabe lugar a duda de que la cartografía ha supuesto la herramienta por antonomasia para la observación, construcción y delimitación del mundo y sus fronteras. Si bien los mapas son iniciados con el propósito de conocer el mundo, apoyados sobre teorías filosóficas, estos instrumentos constituyen hoy día una fuente importante de información y una gran parte de la actividad humana está relacionada, de una u otra forma, con la cartografía, donde los mapas se apoyan también en herramientas tecnológicas como son las geolocalizaciones. El mapa, como representación gráfica simplificada de un territorio, implica cuestiones geográficas y biopolíticas.

Sandra Sáenz-López, comisaria de las exposiciones  «Marginalia in cARTography» en el Chazen Museum of Art in Madison (Wisconsin, USA) y «Cartografías de lo desconocido. Mapas en la BNE«, ha señalado certeramente que “detrás de un cartógrafo está lo que hoy consideramos un pintor”.

En este contexto, es imprescindible subrayar la obra precursora América Invertida del artista uruguayo Joaquín Torres García; un dibujo a pluma y tinta de 1943 donde América del Sur está orientada con el sur en la parte superior, poniendo el énfasis en las culturas indígenas americanas y convirtiéndose en precursor de las nuevas “Epistemologías del sur” mediante su manifiesto sobre la “Escuela del Sur”. Esta escuela afirma que su norte -la propia cultura del artista- es el sur, por lo que Torres García quiere situarlo donde le corresponde mediante un giro físico-epistemológico. Precisamente en nuestra exposición, Comunidad Pandémica, encontramos la obra de la artista colombiana Salomé Rodríguez, quien parte de este imperialismo cultural para deconstruirlo a partir de la pandemia en su obra titulada Sin Orden (2019-2020).

Pandemic Community abarca las nuevas cartografías que se están generando a nivel global, trazadas mediante diarios, mapas mentales, y mapas psicosociales a través de un arte híbrido y participativo que van más allá de las fronteras, de los aspectos históricos o estadísticos, sumando también cuestiones etnográficas. Mediante tácticas de mapeado se ha rastreado la esfera pública y la esfera privada para dar cuenta de los procesos de transformación de nuestro territorio local y de nuestro planeta tierra global. Precisamente a partir del mapeado surge la exploración de los dos siguientes conceptos ineludibles en nuestra comunidad pandémica: el consumo y su rela-
ción con el propio planeta.

Es pertinente en este contexto, hacer referencia a la crítica de arte y profesora en la Universitat de Barcelona (UB) Ana María Guasch, quien ha realizado varios estudios contemporáneos fundamentales sobre el concepto de archivo, mapa y cartografía. En especial cabe destacar la publicación titulada Cartografía crítica del arte y la visualidad en la era global (Ana María Guasch y Nasheli Jiménez del Val, Eds., 2014), en la que también contribuyó personalmente como investigadora con el capítulo “Towards a Socio-Political Ethics of Art and Technology in the Era of Globalization. Fighting Gender Violence in the Public Sphere” (pp. 215-242); asimismo, sobresale el libro completo de Ana María Guash El arte en la era de lo global, 1989-2015.

El consumo desmesurado se fomenta a través de la sociedad capitalista globalizada que se inocula en la sangre de niñas y adolescentes primermundistas, mientras la pobreza campa cada vez más a sus anchas. Desde la infancia, la publicidad promueve la necesidad de objetos materiales para la satisfacción de necesidades creadas, lo cual produce al mismo tiempo conductas adictivas (compras compulsivas; uso compulsivo de tecnologías y redes sociales; videojuegos; ludopatía; adicción al trabajo, etc.) y uso de sustancias (adicción a sustancias legales e ilegales, drogas y medicamentos).

Cuando la sociedad habla de beneficio se refiere al consumo como forma de vida dentro del pensamiento único y cuando el consumo supone un problema, se le califica como enfermedad. La ciudad es el máximo exponente de las nuevas y antiguas adicciones, ya que por su idiosincrasia, favorece la aglomeración de personas, las diferencias y las grandes superficies de ocio programado.

El arte siempre se ha hecho eco de la sociedad de consumo, como lo expone la célebre obra Mierda de artista (1961) del artista conceptual italiano Piero Manzoni.

Asimismo, el pop art, cuyo máximo exponente es Andy Warhol y su “cultura de la máquina” dejó claro ya en los años 60’ que «en el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos», vaticinando con sus teorías la actual influencia de los medios de comunicación y las redes sociales. También con sus pinturas de Latas de sopa Campbell (1962) el artista ponía en evidencia un consumo de materias procesadas desvinculadas totalmente de la naturaleza, así como la importancia de la marca como logotipo y firma de las grandes multinacionales emergentes que más tarde criticaría Naomi Klein en su famoso libro No Logo (2000).

El planeta, por antonomasia, se refiere a la Tierra; ese cuerpo celeste sin luz propia que gira alrededor del Sol. Dentro del planeta nos encontramos con la naturaleza y, por otro lado, los ecosistemas, cuyas comunidades de seres vivos nos relacionamos entre nosotras.

Los seres humanos -especialmente primermundistas- hemos transformado nuestra relación con el planeta en nombre del progreso, a partir de la “ciencia”, fomentando el consumo indiscriminado de energías y materias, y dando lugar a la actual emergencia climática. Desde Naciones Unidas se denuncia que cada año 11 millones de toneladas de plástico acaban en los océanos, provocando una crisis que no se resuelve con el reciclaje y que aniquila especies y ecosistemas enteros.

La exposición Comunidad Pandémica parte del ecologismo en defensa de la naturaleza y de la preservación del medio ambiente, donde el tejido social urbano comienza a defender sus huertos, playas y ecosistemas naturales. Asimismo, el movimiento ecofeminista se manifiesta en una reivindicación del ecosistema natural, como lo hacen colectivos recientes como Madres por el Clima, y exposiciones como la comisariada por la artista Mar Caldas, en la que he tenido el placer de participar recientemente, titulada #ArtDonesEnMoviment #ArteyMujeresEnMovimiento (2022). En su texto curatorial “Nuestra Matria tiene voz de mujer”, Caldas reivindica las labores, la voz y las genealogías femeninas mediante un ejercicio ampliado del maternaje, así como lo ha reivindicado la antropóloga, ingeniera y activista, Yayo Herrero, quien afirma que “no hay economía ni tecnología ni política ni sociedad sin naturaleza y sin cuidados.”

Si bien los ODS adoptados el 25 de septiembre de 2015 por la ONU -aprobando la Agenda 2030 sobre el Desarrollo Sostenible– son objetivos globales para erradicar la pobreza, proteger el planeta y asegurar la prosperidad para todas las comunidades, se ha puesto en evidencia que para alcanzar estas metas, son el sector privado, los gobiernos, y la sociedad civil quienes tenemos que actuar. Por ello, esta exposición toma consciencia de las carencias y de las emergencias planetarias globales y locales, intentando reflexionar sobre nuestra condición humana desde los cuidados del propio planeta tierra. Como soluciones y claves comunitarias se plantean dos aspectos fundamentales mediante los que trabajar: la interseccionalidad y la creación de redes.

La interseccionalidad es una herramienta analítica que reconoce las desigualdades sistémicas, configuradas a partir de la superposición de diferentes factores sociales como el género, la etnia y la clase social. La visión interseccional pretende superar desigualdades y estereotipos, y se enfrenta también a todo tipo de barreras, como son las guerras, las migraciones, la pobreza y la violencia de género. En nuestra publicación Lenguaje no sexista ¿Lo utilizas? (2019), Eulalia Lledó Cunill, doctora en filología románica y pionera en la utilización del lenguaje no sexista -siendo autora de la primera guía en España sobre el tratamiento de la violencia de género y los medios de comunicación- colabora con el alumnado de grado en Bellas Artes para reflexionar sobre el uso discriminatorio del lenguaje en su artículo: “Feministas analfabetas y radicalmente locas”. La utilización del lenguaje es, efectivamente, un factor educativo crucial para la consecución de la igualdad.

La identidad política es una forma de identidad social comunitaria que marca la pertenencia a ciertos grupos que tienen en común una lucha por alguna forma de poder. Sobre ello reflexionamos a través de la práctica de artistas emergentes, todavía en un contexto pre pandémico, en la exposición Kapital 03 / Biotopo(s) e Identidades Políticas (2019).

Asimismo, la exposición Women in Work. Mujer, Arte y Trabajo en la globalización, comisariada por mi entre 2017 y 2018, presenta una revisión de algunas prácticas artísticas desde los años noventa en España y a nivel internacional donde abarcamos las brechas de género y el techo de cristal desde el activismo feminista. En la muestra participó la Colectiva de Arte y Educación chilena Ser & Gráfica, presente en la actual exposición Pandemic Community, donde estas artistas activistas, al igual que entonces, subrayan la identidad política de las mujeres en relación a su entorno y sus principales luchas sociales.

El feminismo se ha dedicado históricamente a la lucha por la igualdad y Dona Haraway nos ha proporcionado las claves para un conocimiento situado a modo de una crítica a lo global homogéneo en Ciencia, cyborgs y mujeres: la reinvención de la naturaleza (Ediciones Cátedra, Madrid, 1995). Precisamente, la tecnología y las redes sociales construyen también nuestras identidades, por lo que es necesario aplicar una perspectiva de género en relación a todos los aspectos comunitarios y especialmente a la educación, que es la fuente de conocimiento para las futuras generaciones.

En nuestro proyecto se fomentan valores que no están en alza, como son la sostenibilidad, la solidaridad, la lucha por los derechos humanos, y la lucha contra la violencia de género. Precisamente, esta lucha feminista ha sido un Leitmotiv fundamental en toda mi trayectoria como comisaria, donde destaca la dirección y fundación desde 2009, de la Plataforma contra la Violencia de Género ACVG de artistas españolas y latinoamericanas.

Asimismo, en 2012 comisarié la exposición In-Out House. Circuitos de género y violencia en la era tecnológica, con 48 artistas españolas y latinoamericanas entre las que se encontraba la obra de la artista mexicana Lorena Wolffer; la artista guatemalteca Regina José Galindo; y la artista catalana Nuria Güell, y que contó con textos, también entre otros, de la filósofa, crítica de arte y comisaria Rocío de la Villa, así como de Juan Vicente Aliaga, comisario e investigador docente en la UPV.

Más recientemente he publicado como editora el libro Arte y Activismo contra la violencia de género (Brumaria 2020), que recoge una serie de aportaciones de artistas y teóricas en el campo del arte y la crítica del arte en colaboración con la Asociación ALANNA, una entidad sin ánimo de lucro creada en el año 2002, con el objetivo primordial de lograr una sociedad igualitaria y la inclusión de mujeres en situación de grave vulnerabilidad.

En esta línea genealógica, la exposición Pandemic Community plantea diversos proyectos relacionados directamente con la lucha contra la violencia de género, conscientes de que esta, nuestra comunidad post pandémica, requiere de estas formas de “inmunidad comunitaria”.

Las redes, por último, tratan de la forma de comunicar mediante la interacción coordinada y recíproca de emisores y receptores a través de los lugares que habitamos. Estas se configuran a partir de las diferentes perspectivas y medios, dando lugar a un sistema social comunitario de valores y normas que regulan las convenciones y discursos de poder preestablecidos tanto en las ciudades, como en los barrios, así como en los espacios virtuales y el metaverso.

En este sentido cabe destacar uno de los estudios más recientes sobre el arte en red editado por Laura Baigorri y Pedro Ortuño y publicado por la Editorial Dykinson, SL. (Madrid, 2021). Bajo el título Cuerpos conectados. Arte, identidad y autorrepresentación en la sociedad transmedia, se muestran una serie de obras artísticas y textos críticos que analizan esta nueva condición comunicativa necesariamente tecnológica. En concreto, el capítulo titulado Identidad, violencia de género y activismo feminista en el arte transmedia. El vídeo diario y el diario digital (pp. 153-163), es un estudio sobre los proyectos de las artistas gemelas Art Al Quadrat, yo misma como artista; la artista Elisabeth Merino Alday y la artista Lorena Wolffer, donde nuestra práctica artística apuesta por la prolongación de la tradición oral a través de las tecnologías de la comunicación y los nuevos formatos multimedia.

En el contexto del proyecto expositivo Comunidad Pandémica, nuestra colectiva de artistas está formada por un tejido de personas profesionales y emergentes que se han unido a través de las redes de forma presencial, híbrida u online para defender intereses comunes. En especial, las asociaciones y colectivos pueden tener un poder transformador, al trabajar de forma interconectada y participativa. Asimismo, las nuevas tecnologías e internet nos permiten la creación de nodos, que son redes no jerárquicas. En este sentido cabe destacar el trabajo de la Colectiva Portal de Igualdad que trabaja desde 2020 por el cumplimiento de la Ley de Igualdad en España, en concreto en el contexto museal, y de la que soy miembro fundadora, junto con la escritora, filósofa y crítica de arte, Amparo Zacarés Pamblanco y la catedrática de estética y teoría de las artes, así como Directora del Museo de arte contemporáneo Vicente Aguilera Cerni de Vilafamés MACVAC, Rosalía Torrent, entre otras mujeres y varones. La curadora y artista investigadora Lilián Amaral, presente en esta exposición, pertenece asimismo a esta Colectiva Portal de Igualdad. Ella es la Líder del Colectivo investigativo Holos (Brasil), que al igual que la Colectiva de Arte y Educación Ser & Gráfica (Chile); y el grupo Las Andariegas especializadas en videojuegos (Colombia), y presentes en esta exposición, apuestan por un trabajo no jerárquico, comunitario y nodal, que va más allá de la creación artística para situarse en un campo híbrido entre la investigación y el activismo social.

Hoy en día, las RR.SS. son en su mayoría multimodales, ya que en ellas se dan varios tipos de actores. En nuestro caso, en esta exposición Pandemic Community hemos querido generar un contexto de red híbrida multimodal y de carácter transnacional, donde nos encontramos con artistas provenientes de distintos países, edades, sexos, así como también distintas trayectorias.

Artistas

En el proyecto Pandemic Community han participado un total de ocho artistas emergentes de distintas nacionalidades: Marina Osca i Redón (España); Paula Navarro Pérez (España); Alejandro Nehru Martínez Richart (España); Miguel Ángel Tudela (España); Sabrina Ayelen Fonseca (Argentina); Sandra Jover Ruano (España); Irene Monje Martínez (España); y Lucas Selezio de Souza (Brasil).

Todas ellas tienen en común el hecho de haber cursado la asignatura “Tácticas de intervención del arte público” conducente a la Graduación en Producción Artística, en la Facultad de Bellas Artes (UPV), y de haber trabajado de forma prolongada durante más de tres meses en este proyecto comunitario. De esta forma, se ha realizado una selección de cada artista, que ha aportado una obra en alguno o varios de los seis apartados propuestos, haciendo hincapié en su interconexión comunitaria y en su trabajo en red. Si bien no es posible hacer mención de todos los trabajos expuestos, en este texto nombraré aquellos que ofrecen una visión de conjunto de algunas de las secciones en las que se presenta un discurso multidisciplinar, polifónico y de corte reivindicativo.

Comenzando por una visión que va de lo local a lo global encontramos el trabajo de Sandra Jover Ruano quien ha elegido desdoblar su preocupación por la especulación y el territorio en todas las secciones de la exposición. De esta forma, en su proyecto titulado COL – lectiu, se trata de una serie de collages y transferencias con disolvente sobre papel donde ya se establece un diálogo entre el paisaje natural y lo urbano, haciendo una crítica a la modernización y su consecuente especulación mediante el caso concreto del campo de fútbol Nou Mestalla de Valencia. Este estadio de fútbol se encuentra inacabado desde hace diez y seis años por falta de financiación, lo que ha destruido el terreno fértil de la huerta valenciana así como el tejido social de la zona en contra de la propia ciudadanía.

También en su obra COR-NER, una intervención con cal sobre las acequias de la huerta valenciana, la artista parte de las mismas premisas para deconstruir los límites del “estadio” de fútbol, rompiendo con los mandatos del poder y de la sociedad del ocio inmersa en la economía capitalista, mediante un registro fotográfico y audiovisual.

El artista brasileño Lucas Selezio de Souza ha trabajado también a partir de los límites en su sentido de frontera. El desplazamiento como marca de vida está presente en todos sus proyectos, en los que abarca también los desplazamientos forzosos, como son las migraciones. Desplazamientos. Habitar lo intangible (2022), es una instalación que surge de su investigación en torno a los materiales de construcción y las relaciones entre moda, arquitectura y escultura, donde se basa en las teorías eclécticas del arquitecto alemán del siglo XIX, Gottfried Semper y especialmente en su obra en Los cuatro elementos de la arquitectura. Aquí el desplazamiento va ligado al asentamiento, reflexionando en torno a la condición nómada del ser humano.

El artista interviene en tejidos vinculados al mundo de la construcción civil con técnicas propias de la moda y vestuario, dando cuenta de la relación intrínseca entre la ropa y la arquitectura y produciendo asimismo un desplazamiento de materiales encontrados en el espacio público hacia el interior del espacio expositivo a modo de asentamientos. Es por ello que la instalación está concebida como un site specific para la sala de exposiciones del Espai Jove VLC, dialogando con el espacio y la historia del barrio en el que se ubica, remontándose al antiguo camino de Algirós y al tránsito constante entre el Cabañal y el antiguo cauce del Turia.

En otro trabajo titulado Lost in translation, el artista hace alusión a la obra On Translation: Museum, del artista catalán Premio Nacional de artes plásticas (2005) Antoni Muntadas, para realizar un found footage exhibido en bucle en una pantalla unicanal y videoproyección monofocal que parte de la expresión que da título a la obra y que significa “traducción perdida”. Se refiere aquí a la superabundancia de información en el mundo contemporáneo como bien de consumo y a su condición de mercancía.

El video, de cinco minutos de duración, trata de la desinformación en la sociedad contemporánea a partir de la crisis del COVID-19 y del impacto de las redes sociales frente a los medios tradicionales de información. Su objetivo principal es transmitir bulos acerca del coronavirus que circularon en las redes sociales en los primeros meses de la pandemia para ponernos en alerta sobre la condición “Fake” de nuestra sociedad de la información.

Marina Osca i Redón (España) realiza un trabajo activista bajo el título No a l’ampliació del port (2022), donde parte de la explotación del planeta tierra. En este proyecto colaborativo, la artista utiliza estampaciones de punta seca sobre papel canson para reivindicar la no ampliación del puerto de València, consiste en la construcción de un nuevo muelle para el almacenamiento de contenedores. Este proyecto tendría un impacto medioambiental muy negativo, afectando tanto a las playas más cercanas al puerto, como a la Albufera de Valencia y al sistema comercial de la ciudad.

En este contexto, Marina Osca se pone a disposición de la Comissió Ciutat-Port, formada por diversos colectivos que se han dedicado desde un inicio a intentar frenarlo por todos los medios este proyecto. Mediante distintas estampaciones, la Comissió Ciutat-Port puede hacer uso de estas para cartelería, futuros eventos, etc. que ayuden a parar la ampliación del puerto de Valencia.

En esta misma línea de reflexión acerca del planeta encontramos el trabajo Planeta o barbarie de la artista Irene Monje Martínez quien trata de subrayar pequeños detalles propios de la naturaleza en un contexto de extrarradio de la ciudad. En concreto, la artista quiere activar la conciencia pública para que se pregunten “¿Por qué sangran las plantas? ¿Por qué la naturaleza está muerta?”. La metodología empleada parte de una deriva situacionista en la que se aprecia la naturaleza que brota salvaje en un entorno urbano, rectilíneo y gris para detectar aquellas “emergencias” del propio entorno urbano y “enmarcarlas” mediante intervenciones mínimas que siguen el espíritu micropolítico. De esta forma, la artista propone tomar conciencia de la emergencia climática en nuestra vida cotidiana.

En continuación con esta línea de trabajo de denuncia sobre cuestiones acuciantes relativas a nuestras conductas frente al planeta tierra se encuentra la obra de Paula Navarro Pérez y concretamente su video de 1:54 minutos de duración titulado Cartuchos. Se trata de un proyecto audiovisual que critica la caza en España, donde entre 103.000 y 405.000 aves son capturadas o asesinadas de forma ilegal cada año. En Europa la cifra de muertes de aves se estima en 0,4-2,1 millones por año, lo que también supone un crimen contra la vida animal. En este video, Paula Navarro ha utilizado cartuchos reales recogidos en El Sargal (Jérica) erosionados por el tiempo y mezclados con la tierra para impactar, mediante las huellas de su dolor. Se trata de una denuncia sin sonido pero no muda, que nos hace conscientes de esta problemática del exterminio animal.

Alejandro Nehru Martínez Richart nos presenta su obra Anamorfosis en la sección dedicada al consumo, compuesta por una pieza de videoarte y un collage que buscan el efecto inmersivo a través de imágenes invertidas que incitan a lo sexual.

Como si se tratara de imágenes del inconsciente, el proyecto reflexiona sobre la sobreexposición que tiene la sociedad actual a medios sexuales, distorsionando la visión general del cuerpo y el sexo. Las nuevas tecnologías, internet, y la comunicación en RRSS han abierto un espacio de consumo en el que la propia identidad de nuestros cuerpos se ve cuestionada y también lacerada, a tenor de los comportamientos compulsivos y adictivos expandidos por estas redes de consumo.

Miguel Ángel Tudela es autor de la obra que lleva el título 339 sitios, donde el artista ha utilizado el collage digital a partir de capturas de pantalla para crear un nuevo mapa psicogeográfico personal.

A partir de los recorridos que han quedado guardados en google como un registro permanente desde que la persona acepta los términos y condiciones de uso, Miguel Ángel compara a Google con el temido dragón bíblico el Leviathan de Job, atribuyéndole a esta plataforma una suerte de “violación” de la intimidad individual de cada persona.

La obra explora diferentes fragmentos de la cronología personal propia del artista que se convierte aquí en una cuestión biopolítica, reflexionando sobre el sentido de las propias funciones, el control, el yugo y la normalización de lo inmoral de google a través de estrategias de mapeado y de capturas de pantalla.

Como última artista que expone su proyecto en esta sección emergente, encontramos la obra de la artista argentina Sabrina Ayelen Fonseca; una obra variada y comprometida que tiene como punto de partida las reivindicaciones feministas frente a las brechas de género y la crisis de los cuidados. Así lo muestra en su obra titulada Tío, sabes cuánto ganas (2022), donde hace una incursión muy original al tema de la brecha salarial apelando directamente a un público de sexo masculino, para que tome conciencia de esta problemática.

Cabe destacar también su proyecto participativo ¿Quién limpia lo que ensucias? (2022), donde la artista parte de nuevo de la apelación interrogativa bajo el paraguas de referentes feministas como son las Guerrilla Girls y sus proyectos activistas y de sensibilización. En este proyecto performativo que da lugar a un registro fotográfico realizado durante la Manifestación del 8M Valencia, España, 2022, se trabaja a partir del marco de una sociedad que minimiza las labores de limpieza y de cuidado, mediante la personificación colectiva de los roles y estereotipos de género que se imponen sobre los cuerpos femeninos con respecto a las tareas de limpieza.

Esta performance realizada en el espacio público amplía asimismo la tradición de los proyectos de “mantenimiento” de la artista norteamericana Mierle Laderman Ukeles, quien visibiliza, mediante la limpieza de la ciudad, las labores invisibles que históricamente hemos realizado las mujeres en los espacios privados de la casa. Para Sabrina Ayelen, nos encontramos en un momento en que las mujeres debemos unirnos para denunciar nuestra opresión de género, y por ello es importante el trabajo desde la interseccionalidad, sin descuidar cuestiones como son el color de la piel, la clase social y el género del colectivo de mujeres.

Dando paso ya a la sección que abarca el trabajo de las artistas invitadas, la exposición se nutre de la colaboración de artistas de reconocido prestigio internacional, con las que, en algunos casos, hemos tenido la oportunidad de trabajar en otros proyectos (In-Out House. Circuitos de género y violencia en la era tecnológica, 2012; Women in Work, 2017-18), como es el caso de la artista mexicana Lorena Wolffer o la Colectiva de Arte y Educación chilena Ser & Gráfica.

Encontramos un total de treinta artistas que trabajan de forma individual y/o colectiva en el siguiente listado de participantes: Colectivo investigativo Holos. Lilian Amaral – Líder del colectivo co-investigativo y co-creativo en red iberoamericana (Marcos Umpièrrez, Josep Cerdá, Laurita Salles, Leonardo Gironacci, Ivonne Villamil, Roser Domingo, Roseli Amado S. Garcia, Sissa, Aneleh Batista de Assis, Karla Brunet, Paula Carolei, Luiza Helena Guimarães, Adriana dos Santos Araujo, Andrea Ortega, Regina Carmona, Liliana Fracasso)
(Brasil); Desirée Ferreira (Brasil); Ser & Gráfica. Colectiva de Arte y Educación (Chile); Lorena Wolffer (México); Ana María Millán y Las Andariegas (Alejandra Téllez, Angie Vanessa Álvarez, Erika Vargas, Juliana Rodríguez Alfonso, Natalia González Gil, Vanessa Eslava, Tarsila Beita) (Colombia); y Salomé Rodríguez González (Colombia).

Todas ellas presentan proyectos relacionados con alguna o varias de las categorías de la exposición, y han sido seleccionadas en función de sus aportaciones originales en el contexto de nuestra “comunidad pandémica”, así como también por constituirse en referentes necesarios para el colectivo de artistas emergentes.

Lorena Wolffer trabaja desde hace treinta años como artista y activista cultural, constituyéndose en un referente obligado para la enunciación y la resistencia en la intersección entre el arte, el activismo y los feminismos. Es conocida por sus performances sobre la violencia de género así como por sus más actuales trabajos en red.

En esta exposición presenta su proyecto cadena~de~cuidados, una intervención cultural participativa en línea donde la artista visibiliza el impacto diferenciado del Covid-19 en la vida de niñas, jóvenas
y mujeres, a partir del aumento exponencial de nuestras cargas de trabajo no remunerado en la esfera del trabajo emocional y afectivo. El proyecto, en el que las participaciones son anónimas, se compone de testimonios y enunciados en línea recopilados a través de un formulario que continúa abierto a la participación.

El Colectivo investigativo Holos está liderado por la artista visual, investigadora y comisaria independiente Lilian Amaral. Por su parte, el Colectivo tiene un carácter internacional e interinstitucional, compuesto por artistas investigadoras docentes que trabajan en el ámbito del arte, la ciencia y la tecnología en contexto iberoamericano. Amaral propone para esta muestra una instalación sonoro-visual colaborativa, elaborada en red para su presentación en una pantalla cilíndrica de 25 metros de perímetro y 3 metros de altura. Se trata de un trabajo inmersivo presentado inicialmente en la galería Josep Renau de la UPV, en el contexto del Simpósio Internacional que ha reunido tres eventos Internacionales –SIIMI– Simpósio Internacional de Innovación y Medios Interactivos, el Simpósio de ANIAV – Asociación Nacional de Investigadores en Artes Visuales/ES y Balance UnBalance – Canadá.

La obra se exhibe aquí en el apartado dedicado al Planeta, y trata sobre el calentamiento global y los impactos en los ecosistemas ambientales, sociales y culturales que han impulsado un cambio radical en el modo de pensar, producir y circular conocimiento.

También la artista, fotógrafa e investigadora Desirée Ferreira (1993) procede de Brasil, trabajando en este caso sobre la ocupación y transformación del espacio urbano y abordando temas como la relación de la mujer con la ciudad y el feminismo. En su obra titulada Mapas-Poéticos / Mapas Poéticos / Poetic Maps (2020), Ferreira utiliza la imagen digital para hacerse varias preguntas: “¿Cómo puedo caminar por mi ciudad, Porto Alegre (BR) sin miedo? ¿Cuáles son las formas de abordar visualmente un sentimiento, una sensación, algo intangible?”

A partir de estas preguntas la artista realiza un trabajo de mapeado siguiendo la tradición psicogeográfica del situacionismo, esta vez mediante Google Maps, para comprender los propios caminos que ella misma estaba tomando y transformarlos en Mapas-Poéticos.

En el contexto del arte chileno activista más comprometido nos encontramos con la obra de la Colectiva de Arte y Educación Ser & Gráfica. Ellas son Drina Y Karine, las componentes de @serygrafica, dos mujeres activistas luchadoras feministas, pedagogas e insurrectas disidentes. Su trabajo está basado en la práctica comunitaria enfocada hacia un arte público participativo, que a menudo se proyecta en los espacios de la coeducación y de la manifestación pública. En esta exposición, Pandemic Community, las artistas hacen una incursión en cada una de las secciones propuestas mediante su gráfica colectiva, participando en los aspectos de la generación de mapas, así como también coadyuvando a la interseccionalidad; creando mapas desde una perspectiva de género; apuntando a la crítica feminista al consumo; invocando a la madre tierra y al planeta – la pacha mama; creando redes; y reforzando la posibilidad de una inmunidad comunitaria a través de todas sus acciones.

La artista Salomé Rodríguez es nacida en Cali, Colombia, y reside en Valencia, España. Artista interdisciplinar con formación en Sociología, Artes Visuales y doctorado en Arte público por la UPV, en su trayectoria como creadora destaca su implicación con el conocimiento situado y las metodologías del sur. En concreto, su obra Sin Orden es una instalación compuesta por cuatro fotos analógicas tomadas en un rastro de una zona socialmente vulnerable en la ciudad de Cali-Colombia e intervenidas con textos del Popol vuh y el Timeo para ser instaladas sobre el mapa del mundo invertido, haciendo un guiño a la ya mencionada obra América Invertida, de Joaquín Torres García. Ahora bien, a modo de una cartografía de ficción, la artista nos plantea una relación dialógica a partir de su reflexión sobre las cartografías universales y la influencia que el mapa post-covid está dejando en la humanidad. De esta forma, el archivo anónimo nos indica su necesaria pertenencia al lugar, un lugar que en sí mismo es pura narrativa y que se relaciona de forma global con la situación en la que los medios de comunicación construyen las narrativas sobre la propia pandemia.

Por último nos adentramos todavía más en el contexto del arte colombiano con el trabajo de Ana María Millán y Las Andariegas (Alejandra Téllez, Angie Vanessa Álvarez, Erika Vargas, Juliana Rodríguez Alfonso, Natalia González Gil, Vanessa Eslava, Tarsila Beita). Por una parte la artista Ana María Millán trabaja en proyectos que trazan relaciones entre la política de la animación y la ficción en relación a las culturas y subculturas digitales, la violencia, el género y la propaganda. Por otra parte Las Andariegas desarrollan proyectos comunicativos y educativos desde una cultura de paz y un enfoque
comunitario, popular y del sur.

En el proyecto titulado Las Socias (2019-2021) se trata de un videojuego realizado bajo la dirección de Ana María Millán y Las Andariegas, en el que seis personas viajan por nueve mundos enfrentándose a diversos problemas. Ellas poseen poderes para crear nuevos mundos a través de cuatro elementos: el fuego, el agua, las plantas y la tierra. En este sentido, el videojuego se relaciona estrechamente con la sección dedicada al planeta tierra, donde las mujeres son reivindicadas por su lucha por el buen vivir y la paz. Asimismo, el proyecto desvela nuevas formas de relaciones entre los seres vivos y los ecosistemas en un mundo de ficción que más allá de la destrucción y de la emergencia, busca una relación ecofeminista y armoniosa con la propia vida.

En definitiva, nuestra exposición cuenta con una reflexión en profundidad sobre los temas más candentes en este momento histórico en el que la vida da cuenta de la necesidad de una inmunidad comunitaria a través de prácticas de resistencia para las que el arte se convierte en un aliado y exponente.

Por último, todas las personas artistas presentes en este proyecto, Pandemic Community, tanto las artistas emergentes como las invitadas y consolidadas, tienen en común la preocupación por un arte que va más allá de la estética para hacer de la ética un espacio propio y compartido. Mediante sus proyectos de arte público; videoarte; performance; transmedia; instalación; intervención participativa; talleres; gráfica; fotografía; escultura y objetos; nos demuestran que la comunidad pandémica o post pandémica, como muchas gustan nombrar, conecta nuestros cuerpos y también nuestras sensibilidades en una reflexión comunitaria y artística traspasando fronteras y límites.

Agradecimientos

Esta exposición, Pandemic Community / Comunidad Pandémica, 2022, al igual que las dos anteriores que configuran la trilogía (Pandemic House / Hogar Pandémico, 2020 y Pandemic City / Ciudad Pandémica, 2021), ha sido posible gracias al esfuerzo continuado de las artistas presentes en la muestra, a sus reflexiones y a su praxis. Ellas son el motor de esta iniciativa.

Asimismo, debo agradecer a la artista y gestora cultural Roser Colomar su colaboración en este proyecto mediante el taller impartido.

Por último, gracias a la Universitat Politècnica de València y en especial al Área de la Casa del Alumno, a su dirección Ximo Mora y al Vicerrectorado de Estudiantes y Emprendimiento de la UPV por su apoyo y confianza.

Estéticas Transversales es un programa de investigación y experimentación en el cruce entre arte, mediación y espacio social. Un lugar de confluencia entre las prácticas artísticas como espacio de investigación crítica; las acciones de mediación como espacio de producción de contenido, de interacción y de transferencia de aprendizajes; y el contexto como espacio de relación entre una temática de trabajo y un determinado espacio social activo alrededor de ella. 

El marco del programa plantea trabajar a partir de las tensiones, paradojas o conexiones que se generan entre los términos Inmunidad y Comunidad. Habitualmente el concepto de comunidad se utiliza para poner en valor un grupo de personas que comparten elementos que les otorgan una cierta especificidad, ya sea la identidad, el lugar, la ideología, las creencias, u otros elementos de pertenencia a un colectivo (o grupo de personas) que mantiene lazos de conexión entre ellas y que por una razón u otra, los hace diferenciables en relación a los otros, pero también les une, les fortalece y les inmuniza. 

En este sentido, el concepto de inmunidad reaparece con fuerza en este contexto específico de pandemia, y se relaciona con la comunidad puesto que hace referencia a aquello que la protege de lo que una comunidad identifica como amenazante o peligroso. Desde esta perspectiva, la comunidad y la inmunidad forman un conjunto que se repliega sobre sí mismo, tratando de instaurar protección y aislamiento para evitar todo tipo de contagio externo, ofrecer vínculos, relaciones de proximidad y organización frente a una amenaza, pero también, puede instaurar frontera, rechazo o miedo a la alteridad.

Ambos conceptos son tratados por Roberto Espósito[1], en una dirección que nos interesa retomar para adaptarlos a este proyecto. Según este autor, atendiendo a la raíz etimológica de la palabra y poniendo en cuestión el componente neoconservador y negativo que conllevan, plantea que la comunidad abre, expone, vuelve al individuo hacia su propio afuera, lo libera hacia su exterioridad. No es el lugar de la identidad, de la pertenencia, de la apropiación, sino, por el contrario, de la pluralidad, de la diferencia o de la alteridad. La inmunidad, según Espósito, repliega al individuo en sí mismo, lo recluye en su propia piel, reconduce el afuera hacia el adentro, lo elimina en cuanto afuera.

En un contexto como el actual la inmunidad se percibe como el objetivo general, como la cura globalizada que debe preservar las distintas comunidades de los contagios. Y esto se extiende más allá de lo sanitario, se instaura como políticas que reafirman los territorios nacionales, barriales, domésticos. Las tecno-políticas de la inmunidad y el miedo contribuyen a generar comunidades cerradas que propician la desigualdad.

Pero también, en esta tensión, se abren otras dimensiones del concepto comunidad, donde se generan comunidades de saberes relacionados con la ecología, con archivos disidentes, memorias locales, comunidades virtuales, comunidades interespecie, y un largo etcétera, donde la comunidad se vuelve casi una militancia;  la resistencia y la supervivencia supone, precisamente, afianzar su dimensión comunitaria para inmunizarse ante la globalidad.

La filosofía de este proyecto opera bajo la premisa de imaginar posibles futuros donde el cuidado propio y mutuo o el cuidado de nuestro entorno se sitúan en primer plano, para una mejora de las relaciones subjetivas, y una recuperación de la comunidad como res pública, como espacio de lo común, de afectividad y de aprendizaje, identificando los peligros de convertirse en un entorno de diferencia y/o de exclusión. Es desde esta perspectiva que planteamos un espacio de trabajo crítico, problematizando los conceptos comunidad e inmunidad, como metáfora del flujo de conexiones con el dentro y el afuera, con el nosotrxs y lo otro, como espacio de apertura y puntualmente de desborde, donde el contagio permite también incorporar nuevos organismos extraños, sobrevivir a ellos y reencontrar el equilibrio que contribuya a recuperar la sociabilidad, especialmente este contexto de pandemia. 

Si la materia prima de la vida social es la sociabilidad interactiva co-presencial[2]  ahora hemos aprendido a convivir en un régimen donde esta interacción co-presencial está sometida a la estrategia del aislamiento y la construcción de la comunidad burbuja. Esta relación fructífera y encontrada entre comunidad, inmunidad, nos anima a abrir esta convocatoria a proyectos que planteen respuestas creativas a la complejidad de este planteamiento, que es a la vez la complejidad de nuestra contemporaneidad más reciente.

En el marco de este proyecto y tomando la temática de las tensiones y conexiones entre Comunidad e Inmunidad, se invita a Mau Monleón Pradas, artista, comisaria y docente de la asignatura «Tácticas de intervención del arte público» del Grado en Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València, a participar en un taller coordinado por Roser Colomar de Idensitat, llamado Pandemic Community, donde abordar junto con las alumnas y alumnos de esta signatura algunos de los conceptos clave que atraviesan el proyecto, como son comunidad, cuidados o las estrategias o redes que establecemos para inmunizarnos  ante una nueva realidad marcada por el miedo al contagio, la distancia social o el aislamiento.

La situación derivada de la COVID 19 ha imposibilitado que la comunidad artística pueda juntarse en sus espacios históricos de encuentro: inauguraciones, festivales, salas de teatro y cine, acciones colectivas… En una ámbito como el arte, donde la dimensión relacional es tan importante para la creación de vínculos laborales y personales, para el apoyo mutuo entre artistas y su red de producción, incluso para aristas cuya metodología se basa muchas veces en la colaboración, ¿Qué ocurre cuando la inmunidad y el peligro al contagio fragmenta la comunidad artística? ¿Cómo podemos reinventar espacios comunitarios para lxs artistas y agentes culturales donde inmunizarnos ante esta situación y podernos seguir relacionando como sector? ¿Cómo imaginar espacios para nuestro encuentro y relación en este nuevo contexto presente? ¿Es esta clase, de esta asignatura, una posible oportunidad para generar una comunidad artística y producir desde este punto de partida en medio de todo este caos?

Durante los años 90 centenares de personas vivían una de las situaciones de emergencia sanitaria (y desamparo institucional) más grandes de nuestra historia reciente: el VIH. Un virus que atacaba fuertemente a los cuerpos, a las posibilidades de afecto, y que además, sirvió como estigma hacia la comunidad LGTBI así como de carta blanca para generar muchas de las narrativas de la higiene de clase y género, vinculadas también a conceptos de Comunidad Inmunidad. En medio de ese contexto, algunos artistas realizaron icónicas piezas de arte donde denunciaban el desamparo institucional, la falta de recursos para sostener sus condiciones de salud y visibilizaban las redes de apoyo y cuidados que surgían entre familiares, amigas y amigos y miembros del colectivo LGTBI ante el abandono y el estigma de una sociedad en plena expansión capitalista. 

La performance Carring de Pepe Espaliú (3) fue uno de los ejemplos más interesantes en ese sentido; una acción de gran belleza y fuerza que nos sirve en este taller como ejemplo de acción artística donde se aprecian claramente estos conceptos. El artista es transportado por parejas de amigos y conocidos desde la puerta del Congreso de los Diputados al Museo Reina Sofía, dos de las instituciones que como artista y como ciudadano le atraviesan en su situación de vulnerabilidad y exclusión a causa del VIH. Un kilómetro en total que Espaliú repitió en Madrid y en San Sebastián, donde además se establece un juego de sonoridades entre los conceptos sostener (carrying) y cuidar (caring), y donde el artista visibiliza y pone en valor la labor de la red de cuidados, el soporte afectivo y la carga emocional sostenida por su comunidad ante la falta de una respuesta institucional a esta crisis. 

Así pues, el objetivo de este taller es proponer gestos o ejercicios mínimos desde nuestras prácticas artísticas que expandan el sentido de comunidad / inmunidad para abrir una vía donde repensar las palabras comunidad-inmunidad más allá del sentido pandémico, donde el distanciamiento social, la individualización, la desocialización, el aislamiento comunal, el incremento de la tecno-presencialidad, el miedo al contagio, o el deseo de alcanzar la inmunidad han reaparecido en nuestras relaciones como comunidad artística, con las otredades, y también, con nuestros propios cuerpos. 

En esta práctica las alumnas identifican algunos espacios presenciales o virtuales que han sido claves en sus comunidades artísticas desde 2020 hasta hoy, comunidades que hayan creado ellas y ellos o que les hayan sostenido durante estos dos años. El taller ha contado con distintas iniciativas vinculadas a la imagen, al vídeo, audio audio, a acciones performativas o a la activación de un espacio público.

Participan: Mau Monleón Pradas, docente de la asignatura, artista y comisaria, con las alumnas: Marina Osca i Redón, Paula Navarro Pérez, Alejandro Nehru Martínez Richart, Miguel Ángel Tudela, Antonio Martínez Gallego, Sabrina Ayelen Fonseca, Sandra Jover Ruano, Irene Monje Martínez and Pia Altmann.

In 2021 the second exhibition was presented, Pandemic City / Pandemic City, a project that, in the online context of the pandemic, sought to articulate a debate around the changes that occurred in the public space of the city, highlighting those open spaces that link urban areas. This exhibition included a first glossary of terms in relation to the pandemic and the new social situation around the territory and its internal-external interrelationships; global-local; and personal-political.

In this third exhibition Pandemic Community / Pandemic Community, emphasis is placed on the online and hybrid community itself. Today, the presence in both outdoor and indoor spaces is intermingled with the new virtual environments thanks to the online platforms (Teams, Meet, Zoom, etc). These allow us to develop an art of community connection, interrelated with the fundamental issues that emerge in the most current public sphere, where the third phase of the pandemic has reached Europe, with the consequent opening of measures. In this context, the main ex-
hibition proposals of the selected emerging artists are located, adding to them the collaboration of invited artists of recognized international pres- tige, from the Latin American artistic context (Mexico, Colombia, Chile and Brazil). There are a total of thirty-eight artists who have worked individually and/or collectively, some professionally for this exhibition and others through contributions of their works conceived previously, adapted to one or several of the sections proposed.

Concepts

At a time when we are faced with a “new planet” due to the presence of a new disease that has completely altered all spheres of human life, Some epidemiologists prefer to think of it as a passing issue while others advocate considering the situation from the perspective of the “new normal”, to which new viruses, zoonoses, variants and mutations will be added. In this sense, the organization Our World in Data is responsible for collecting data on the evolution of the pandemic in the world and visualizing them both by cases and by deaths depending on the population, without going beyond quantitative data. However, as we know, the very concept of community is being affected by this pandemic, which destroys entire families, peoples and communities, especially those with fewer resources, the poorest. An example is the Yanomamis, the indigenous community of the Amazon in Brazil, to whom the pandemic has already caused more than 70,000 deaths.

This exhibition Pandemic Community, is not a reflection on the pandemic itself but on the main consequences that have been implicitly reinforced as a result of it and that involve fundamentally the chains of care, the city, the territory, nature, resources, the economy, and new production and communication technologies. In this spirit, six sections have been formulated as main themes of the project, covering the following sections-concepts in relation to the public and private sphere:

1. The immunity
2. The maps
3. The consumption
4. The planet
5. The intersectionality
6. The networks

Immunity is defined as a state of resistance, natural or acquired, that certain individuals or species possess against certain pathogenic actions of microorganisms or foreign substances. This term has been acquiring relevance beyond the scientific fields of biology and medicine to materialize in a philosophical debate, as interpreted by the renowned Italian author, specialist in moral and political philosophy Roberto Espósito. From his anticipatory theories, “community, immunity and biopolitics are the terms that indicate the closure of the modern political lexicon in an era that moves far beyond its limits. They are also words that inaugurate a new way of thinking politics at the moment that most challenges life, understood in its biological dimension.”

In this sense, life itself can be understood as a political subject and no longer as an object, in an analysis that puts the community and the common good in the spotlight, and the collectivity as an inescapable way to achieve this “immunity”.

Although the term immune is synonymous with invulnerable, and immunity itself is conceptualized as a process or state that fights diseases to overcome, immunity can also be understood collectively under the umbrella of Espósito, who gives us the keys to interpret the need to generate inter-community protection in a globalized society. According to pandemics, wars and social inequalities, a social immunity would arise where the community itself would be mediated by life.

As an introduction to this proposal covering artistic development based on the concept of immunity, a workshop coordinated by the Platform for Action and Artistic Research Idensitat was held with the participation of the cultural manager Roser Colomar Palazón, developing emerging contemporary creation projects that were the starting point of the project. In this regard, the article by Roser Colomar can be consulted at: TALLER. Immunity – Comnidad. Also in previous years other topics had been developed through joint collaborations, as is the case of the publication edited by Roser Colomar and myself and entitled Transverse aesthetics. Ecosystems of Fiction: On està l’aigua de València (2021); as well as the collaboration carried out jointly with Chema Segovia in the workshop and publication entitled Public Tactics 05 / Leisure Ecosystems – Ecosystems of Leisure (2019). Some of the results of Concepts this project entitled Transverse aesthetics. Leisure ecosystems were shown in documentary format at the Centre del Carme CCCC in Valencia, Spain.

The maps are the next stop on our conceptual journey. There is no doubt that cartography has been the tool par excellence for the observation, construction and delimitation of the world and its borders. Although the maps are initiated with the purpose of knowing the world, supported on philosophical theories, these instruments today constitute an important source of information and a great part of human activity is related, in one way or another, to cartography, where maps are also supported by technological tools such as geolocations. The map, as a simplified graphic representation of a territory, involves geographical and biopolitical issues.

Sandra Sáenz-López, curator of the exhibitions Marginalia in cARTography at the Chazen Museum of Art in Madison (Wisconsin, USA) and Cartographies of the Unknown. Maps in the BNE>>, has rightly pointed out that “behind a cartographer is what today we consider a painter”.

In this context, it is essential to highlight the pioneering work America Invertida by the Uruguayan artist Joaquín Torres García; a drawing with pen and ink of 1943 where South America is oriented with the south at the top, emphasizing Native American cultures and becoming a precursor to the new “Epistemologies of the South” through its manifesto on the “School of the South”. This school affirms that its north -the artist’s own culture- is the south, so Torres García wants to place it where it belongs through a physical-epistemological turn. Precisely in our exhibition, Pandemic Community, we find the work of the Colombian artist Salomé Rodríguez, who starts from this cultural imperialism to deconstruct it from the pandemic in her work entitled Sin Orden (2019-2020).

Pandemic Community covers the new cartographies that are being generated globally, drawn through diaries, mental maps, and psychosocial maps through a hybrid and participatory art that go beyond borders, historical or statistical aspects, adding ethnographic issues as well. Through mapping tactics, the public and private spheres have been traced to account for the transformation processes of our local territory and our global planet earth. It is precisely from mapping that the exploration of the following two unavoidable concepts arises in our pandemic community: consumption and its relationship with the planet itself.

It is pertinent in this context, to refer to the art criticism and professor at the Universitat de Barcelona (UB) Ana María Guasch, who has conducted several fundamental contemporary studies on the concept of archive, map and cartography. Particularly noteworthy is the publication entitled Critical cartography of art and visuality in the global era (Ana María Guasch and Nasheli Jiménez del Val, Eds., 2014), in which she also contributed personally as a researcher with the chapter “Towards a Socio-Political Ethics of Art and Technology in the Era of Globalization. Fighting Gender Violence in the Public Sphere” (pp. 215-242); also, Ana María Guash’s complete book El arte en la era de lo global, 1989-2015 stands out.

Excessive consumption is promoted through the globalized capitalist society that is inoculated in the blood of first-world girls and adolescents, while poverty is spreading more and more freely. Since childhood, advertising promotes the need for material objects to satisfy created needs, which at the same time produces addictive behaviors (compulsive shopping; compulsive use of technologies and social networks; video games; gambling addiction; work addiction, etc.) and substance use (addiction to legal and illegal substances, drugs and medicines).

When society speaks of profit, it refers to consumption as a way of life within a single thought, and when consumption is a problem, it is called a disease. The city is the maximum exponent of new and old addictions, because of its idiosyncrasy, favors the agglomeration of people, differences and large areas of programmed leisure.

Art has always echoed the consumer society, as exposed by the famous work Shit of an artist (1961) by the Italian conceptual artist Piero Manzoni.

Likewise, pop art, whose greatest exponent is Andy Warhol and his “machine culture” already made it clear in the 60s that «in the future everyone will be famous for 15 minutes», predicting with their theories the current influence of media and social networks. Also with his paintings of Campbell’s Soup Cans (1962) the artist showed a consumption of processed materials totally unrelated to nature, as well as the importance of the brand as a logo and signature of the large emerging multinationals that Naomi Klein would later criticize in her famous book No Logo (2000).

The planet, par excellence, refers to the Earth; that celestial body without its own light that revolves around the Sun. Within the planet we find nature and, on the other hand, ecosystems, whose communities of living beings we relate to each other.

Human beings-especially first world-have transformed our relationship with the planet in the name of progress, starting with “science”, encouraging the indiscriminate consumption of energies and materials, and leading to the current climate emergency. The United Nations denounces that every year 11 million tons of plastic end up in the oceans, causing a crisis that is not solved by recycling and that annihilates entire species and ecosystems.

The exhibition Pandemic Community starts with environmentalism in defense of nature and the preservation of the environment, where the urban social fabric begins to defend its orchards, beaches and natural ecosystems. Likewise, the ecofeminist movement manifests itself in a vindication of the natural ecosystem, as do recent collectives such as Mothers for Climate, and exhibitions such as the one curated by the artist Mar Caldas, in which I have had the pleasure of participating recently, titled #ArtDonesEnMoviment #ArteyMujeresEnMovimiento (2022). In her curatorial text “Nuestra Matria tiene voz de mujer”, Caldas vindicates the work, voice and genealogies of women through an expanded exercise of motherhood, as claimed by the anthropologist, engineer and activist, Yayo Herrero, who claims that “there is no economy, no technology, no politics, no society without nature and care.”

While the SDGs adopted on 25 September 2015 by the UN, adopting the 2030 Agenda on Sustainable Development, are global goals to eradicate poverty, protect the planet and ensure prosperity for all communities, it has become clear that in order to achieve these goals, the private sector, governments, and civil society must act. Therefore, this exhibition becomes aware of the deficiencies and global and local planetary emergencies, trying to reflect on our human condition from the cares of the planet itself earth. As solutions and community keys, there are two fundamental aspects to work through: intersectionality and networking.

Intersectionality is an analytical tool that recognizes systemic inequalities, shaped by the overlap of different social factors such as gender, ethnicity and social class. The intersectional vision aims to overcome inequalities and stereotypes, and also faces all kinds of barriers, such as wars, migrations, poverty and gender-based violence. Do you use it? (2019) , Eulalia Lledó Cunill, PhD in Romance philology and pioneer in the use of non-sexist language -being the author of the first guide in Spain on the treatment of gender violence and the media- collaborates with undergraduate students in Fine Arts to reflect on the discriminatory use of language in their article: “Illiterate and radically insane feminists”. The use of language is indeed a crucial educational factor for the achievement of equality.

Political identity is a form of community social identity that marks membership of certain groups that have in common a struggle for some form of power. We reflect on this through the practice of emerging artists, still in a pre-pandemic context, in the exhibition Kapital 03 / Biotope(s) and Political Identities (2019).

Also, the exhibition Women in Work. Mujer, Arte y Trabajo en la globalización, curated by me between 2017 and 2018, presents a review of some artistic practices since the 1990s in Spain and internationally where we cover gender gaps and the glass ceiling from feminist activism. The exhibition was attended by the Chilean Art and Education Collective Ser & Gráfica, present at the current exhibition Pandemic Community, where these activist artists, like then, underline the poli-
tical identity of women in relation to their environment and their maisocial struggles.

Feminism has historically been dedicated to the fight for equality and Dona Haraway has provided us with the keys to a knowledge situated as a critique of the global homogeneous in Science, cyborgs and women: the reinvention of nature (Ediciones Cátedra, Madrid, 1995). Precisely, technology and social networks also build our identities, so it is necessary to apply a gender perspective in relation to all community aspects and especially to education, which is the source of knowledge for future generations.

Our project promotes values that are not rising, such as sustainability, solidarity, the fight for human rights, and the fight against gender vio- lence. Precisely, this feminist struggle has been a fundamental Leitmotiv in my entire career as a curator, where the direction and foundation of the Platform against Gender Violence ACVG of Spanish and Latin American artists stands out since 2009.

Also, in 2012 I curated the exhibition In-Out House. Circuits of gender and violence in the technological era, with 48 Spanish and Latin American artists including the work of the Mexican artist Lorena Wolffer; the Guatemalan artist Regina José Galindo; and the Catalan artist Nuria Güell, and which included texts, also among others, the philosopher, art critic and curator Rocío de la Villa, as well as Juan Vicente Aliaga, curator and teaching researcher at the UPV.

More recently I have published as editor the book Art and Activism against Gender Violence (Brumaria 2020), which gathers a series of contributions from artists and theorists in the field of art and art criticism in collaboration with the ALANNA Association, a non-profit organization created in 2002, with the primary objective of achieving an equal society and the inclusion of women in situations of serious vulnerability.

In this genealogical line, the exhibition Pandemic Community raises several projects directly related to the fight against gender violence, aware that this, our post-pandemic community, requires these forms of “community immunity”.

Networks, finally, deal with how to communicate through the coordinated and reciprocal interaction of senders and receivers through the places we inhabit. These are configured from different perspectives and means, giving rise to a community social system of values and norms that regulate the conventions and discourses of power established both in cities, as in the neighborhoods, as well as in the virtual spaces and the metaverse.

In this sense it is worth highlighting one of the most recent studies on networked art edited by Laura Baigorri and Pedro Ortuño and published by Dykinson, SL. (Madrid, 2021). Under the title Connected Bodies. Art, identity and self-representation in transmedia society, a series of artistic works and critical texts are shown that analyze this new communicative condition necessarily technological. Specifically, the chapter entitled Identity, gender violence and feminist activism in transmedia art. The daily video and the digital diary (pp. 153-163), is a study on the projects of the twin artists Art Al Quadrat, myself as an artist; the artist Elisabeth Merino Alday and the artist Lorena Wolffer, where our artistic practice is committed to the prolongation of the oral tradition through communication technologies and new multimedia formats.

In the context of the Pandemic Community exhibition project, our collective of artists is made up of a network of professional and emerging people who have joined through face-to-face, hybrid or online networks to defend common interests. In particular, associations and collectives can have transformative power, working in an interconnected and participatory manner. In addition, new technologies and the internet allow us to create nodes, which are non-hierarchical networks. In this sense it is worth highlighting the work of the Collective Equality Portal that works since 2020 for compliance with the Equality Law in Spain, specifically in the museum context, and of which I am a founding member, together with the writer, philosopher and art critic, Amparo Zacarés Pamblanco and the professor of aesthetics and theory of the arts, as well as Director of the Museum of contemporary art Vicente Aguilera Cerni de Vilafamés MACVAC, Rosalía Torrent, among other women and men. The curator and research artist Lilián Amaral, present in this exhibition, also belongs to this Collective Equality Portal. She is the Leader of the Holos Research Collective (Brazil), which like the Ser & Gráfica Art and Education Collective (Chile); and the group Las Andariegas specialized in video games (Colombia), and present in this exhibition, bet on a non-hierarchical work, community and nodal, which goes beyond artistic creation to situate itself in a hybrid field between research and social activism.

Today, the RR.SS. are mostly multimodal, as there are several types of actors. In our case, in this exhibition Pandemic Community we wanted to generate a context of multimodal and transnational hybrid network, where we meet artists from different countries, ages, sexes, as well as
different trajectories.

Artists

A total of eight emerging artists of different nationalities have participated in the Pandemic Community project: Marina Osca i Redón (Spain); Paula Navarro Pérez (Spain); Alejandro Nehru Martínez Richart (Spain); Miguel Ángel Tudela (Spain); Sabrina Ayelen Fonseca (Argentina)Sandra Jover Ruano (Spain); Irene Monje Martínez (Spain); and Lucas Selezio de Souza (Brazil).

All of them have in common the fact of having studied the subject “Tactics of intervention of public art” leading to the Graduation in Artistic Production, in the Faculty of Fine Arts (UPV)and having worked extensively for more than three months on this community project. In this way, a selection of each artist has been made, who has contributed a work in one or more of the six sections proposed, emphasizing its community interconnection and its work in network. Although it is not possible to mention all the works exhibited, in this text I will name those that offer an overview of some of the sections in which a multidisciplinary, polyphonic and vindictive discourse is presented.

Starting with a vision that goes from the local to the global we find the work of Sandra Jover Ruano who has chosen to unfold his concern for speculation and territory in all sections of the exhibition. In this way, in his project entitled COL – lectiu, it is a series of collages and transfers with solvent on paper where a dialogue is already established between the natural landscape and the urban, making a criticism of the modernisation and its consequent speculation through the concrete case of the football field Nou Mestalla of Valencia. This football stadium is unfinished for ten and six years due to lack of funding, which has destroyed the fertile ground of the Valencian orchard as well as the social fabric of the area against the citizenship itself.

Also in her work COR-NER, an intervention with lime on the ditches of the Valencian orchard, the artist starts from the same premises to deconstruct the limits of the “stadium” football, breaking with the mandates of power and the society of leisure immersed in the capitalist economy, through a photographic and audiovisual record.

The Brazilian artist Lucas Selezio de Souza has also worked from the limits in his sense of border. Displacement as a mark of life is present in all its projects, which also cover forced displacement, such as migration. Displacements. Inhabiting the intangible (2022), is an installation that arises from his research around construction materials and the relationships between fashion, architecture and sculpture, where it is based on the eclectic theories of the German architect of the nineteenth century, Gottfried Semper and especially in his work in The Four Elements of Architecture. Here the displacement is linked to the settlement, reflecting on the nomadic condition of the human being.

The artist intervenes in fabrics linked to the world of civil construction with techniques typical of fashion and clothing, giving account of the intrinsic relationship between clothing and architecture and also producing a displacement of materials found in the public space into the exhibition space as settlements. That is why the installation is conceived as a specific site for the exhibition hall of the Espai Jove VLC, dialoguing with the space and history of the neighborhood in which it is located, going back to the old road of Algirós and the constant transit between the Cabañal and the old channel of the Turia.

In another work entitled Lost in translation, the artist alludes to the work On Translation: Museum, by the Catalan artist Premio Nacional de artes plásticas (2005) Antoni Muntadas, to make a found footage exhibited in a loop on a single screen and monofocal video projection that starts from the expression that gives title to the work and that means “lost translation”. It refers here to the superabundance of information in the contemporary world as a consumer good and its condition as a commodity.

The five-minute video deals with disinformation in contemporary society since the crisis of COVID-19 and the impact of social networks on traditional media. Its main objective is to transmit hoaxes about the coronavirus that circulated on social networks in the first months of the pandemic to alert us about the “Fake” condition of our information society.

Marina Osca i Redón (Spain) does activist work under the title No a l’ampliación del port (2022), where part of the exploitation of the planet earth. In this collaborative project, the artist uses dry-tipped stampings on canson paper to claim the non-extension of the port of Valencia, consists in the construction of a new dock for the storage of containers. This project would have a very negative environmental impact, affecting both the beaches closest to the port, the Albufera de Valencia and the commercial system of the city.

In this context, Marina Osca is placed at the disposal of the Comissió Ciutat-Port, formed by various collectives that have been dedicated from the beginning to try to stop it by all means this project. Through different stamps, the Comissió Ciutat-Port can make use of these for signage, future events, etc. that help stop the expansion of the port of Valencia.

In this same line of reflection about the planet we find the work Planeta o barbarie by the artist Irene Monje Martínez who tries to underline small details of nature in a context of outskirts of the city. Specifically, the artist wants to activate public awareness so that they ask “Why do plants bleed? Why is nature dead?”. The methodology used is based on a situationist drift in which we can see the wild nature that sprouts in an urban, rectilinear and gray environment to detect those “emergencies” of the urban environment and “frame them” through minimal interventions that follow the micropolitical spirit. In this way, the artist proposes to become aware of the climate emergency in our daily lives.

In continuation with this line of work of denunciation on pressing issues related to our behaviors in front of the planet earth is the work of Paula Navarro Pérez and specifically his video of 1:54 minutes of duration entitled Cartridges. This is an audiovisual project that criticizes hunting in Spain, where between 103,000 and 405,000 birds are caught or killed illegally every year. In Europe the number of bird deaths is esti- mated at 0.4-2.1 million per year, which is also a crime against animal life. In this video, Paula Navarro has used real cartridges collected in El Sargal (Jérica) eroded by time and mixed with the earth to impact, through the traces of their pain. It is a complaint without sound but not mute, which makes us aware of this problem of animal extermination.

Alejandro Nehru Martínez Richart presents his work Anamorfosis in the section dedicated to consumption, composed of a piece of video art and a collage that seek the immersive effect through inverted images that incite the sexual.

As if it were images of the unconscious, the project reflects on the overexposure of today’s society to sexual means, distorting the general vision of the body and sex. The new technologies, internet, and communication in RRSS have opened a space of consumption in which the very identity of our bodies is questioned and also lacerated, according to the compulsive and addictive behaviors expanded by these networks of consumption.

Miguel Ángel Tudela is the author of the work entitled 339 sites, where the artist has used digital collage from screenshots to create a new personal psychogeographic map.

From the routes that have been saved in google as a permanent record since the person accepts the terms and conditions of use, Michelangelo compares Google with the dreaded biblical dragon the Leviathan of Job, attributing to this platform a kind of “violation” of the individual privacy of each person.

The work explores different fragments of the artist’s own personal chronology that becomes a biopolitical issue here, reflecting on the sense of one’s functions, the control, yoke and normalization of the immoral google through mapping strategies and screenshots.

As the last artist to exhibit her project in this emerging section, we find the work of the Argentine artist Sabrina Ayelen Fonseca; a varied and committed work whose starting point is feminist demands in the face of gender gaps and the care crisis. This is shown in his work entitled Uncle, you know how much you earn (2022), where he makes a very original incursion into the issue of the wage gap by appealing directly to a male audience, to become aware of this problem.

Also noteworthy is his participatory project Who cleans up what you dirty? (2022) , where the artist starts again from the interrogative appeal under the umbrella of feminist referents such as the Guerrilla Girls and their activist and awareness projects. In this performative project that gives rise to a photographic record made during the 8M Valencia Demonstration, Spain, 2022, works from the framework of a society that minimizes cleaning and care work, through the collective embodiment of gender roles and stereotypes imposed on female bodies with respect to cleaning tasks.

This performance carried out in the public space also expands the tradition of the “maintenance” projects of the American artist Mierle Laderman Ukeles, who makes visible, through the cleanliness of the city, the invisible tasks that women have historically performed in the private spaces of the house. For Sabrina Ayelen, we are at a time when women must unite to denounce our gender oppression, and that is why it is important to work from the intersectionality, without neglecting issues such as skin color, the social class and gender of the women’s collective.

Now giving way to the section that covers the work of the invited artists, the exhibition is nourished by the collaboration of artists of recognized international prestige, with whom, in some cases, we have had the opportunity to work on other projects (In-Out House. Circuits of gender and violence in the technological era, 2012; Women in Work, 2017-18), as is the case of the Mexican artist Lorena Wolffer or the Chilean Art and Education Collective Ser & Gráfica.

We find a total of thirty artists working individually and/or collectively in the following list of participants: Holos research collective. Lilian Amaral – Leader of the co-investigative and co-creative collective in the Ibero-American network (Marcos Umpièrrez, Josep Cerdá, Laurita Salles, Leonardo Gironacci, Ivonne Villamil, Roser Domingo, Roseli Amado S. Garcia, Sissa, Aneleh Batista de Assis, Karla Brunet, Paula Carolei, Luiza Helena Guimarães, Adriana dos Santos Araujo, Andrea Ortega, Regina Liliana Fracasona) (Brazil); Desirée Ferreira (Brazil); Ser & Gráfica. Art and Education Collective (Chile); Lorena Wolffer (Mexico); Ana María Millán and Las Andariegas (Alejandra Téllez, Angie Vanessa Álvarez, Erika Vargas, Juliana Rodríguez Alfonso, Natalia González Gil, Vanessa Eslava, Tarsila Beita) (Colombia); and Salomé Rodríguez González (Colombia).

All of them present projects related to some or several of the categories of the exhibition, and have been selected based on their original contributions in the context of our “pandemic community”as well as being necessary benchmarks for emerging artists.

Lorena Wolffer has worked for thirty years as an artist and cultural activist, becoming an obligatory reference for enunciation and resistance at the intersection of art, activism and feminisms. She is known for her performances on gender-based violence as well as for her latest work online.

In this exhibition she presents her chain~of~care project, an online participatory cultural intervention where the artist visibilizes the differentiated impact of the Covid-19 in the lives of girls, young women and women, from the exponential increase of our unpaid workloads in the sphere of emotional and affective work. The project, in which the participations are anonymous, consists of testimonials and online statements collected through a form https:/forms.gle/TXURzDqiZMHTygb79 that remains open to participation.

The Holos Research Collective is led by visual artist, researcher and independent curator Lilian Amaral. For its part, the Collective has an international and inter-institutional character, composed of teaching research artists working in the field of art, science and technology in an Ibero-American context. Amaral proposes for this exhibition a collaborative sound-visual installation, elaborated in network for its presentation in a cylindrical screen of 25 meters of perimeter and 3 meters of height. It is an immersive work initially presented at the Josep Renau gallery of the UPV, in the context of the International Symposium that has gathered three international events -SIIMI- International Symposium on Innovation and Interactive Media, the ANIAV Symposium – National Association of Researchers in Visual Arts/ES and Balance UnBalance – Canada.

The work is shown here in the section dedicated to the Planet, and deals with global warming and the impacts on environmental, social and cultural ecosystems that have driven a radical change in the way of thinking, producing and circulating knowledge.

Also the artist, photographer and researcher Desirée Ferreira (1993) comes from Brazil, working in this case on the occupation and transformation of urban space and addressing issues such as the relationship of women with the city and feminism. In his work entitled Poetic Maps / Poetic Maps / Poetic Maps (2020), Ferreira uses the digital image to ask himself several questions: “How can I walk around my city, Porto Alegre (BR) without fear? What are the ways to visually approach a feeling, a feeling, something intangible?”

From these questions the artist carries out a mapping work following the psychogeographic tradition of situationism, this time through Google Maps, to understand the own paths that she herself was taking andtransform them into Maps-Poetics.

In the context of the most committed activist Chilean art we find the work of the Ser & Gráfica Art and Education Collective. They are Drina Y Karine, the members of @serygrafica, two women artivists feminist fighters, pedagogues and dissident insurrectionists. His work is based on community practice focused on a participatory public art, which is often projected in the spaces of coeducation and public demonstration. In this exhibition, Pandemic Community, the artists make a foray into each of the sections proposed through their collective graphics, participating in the aspects of map generation, as well as contributing to intersectionality; creating maps from a gender perspective; pointing to feminist criticism of consumption; invoking mother earth and planet –
the pacha mama; creating networks; and reinforcing the possibility of community immunity through all its actions.

The artist Salomé Rodríguez is born in Cali, Colombia, and lives in Valencia, Spain. Interdisciplinary artist with training in Sociology, Visual Arts and PhD in Public Art by the UPV, in her career as a creator highlights her involvement with situated knowledge and southern methodologies. Specifically, his work Sin Orden is an installation composed of four analog photos taken in a trace of a socially vulnerable area in the city of Cali-Colombia and intervened with texts of the Popol vuh and the Timeo to be installed on the map of the inverted world, making a nod to the aforementioned work América Invertida, by Joaquín Torres García. Now, as a fictional cartography, the artist presents us with a dialogical relationship based on her reflection on universal cartographies and the influence that the post-covid map is leaving on humanity. In this way, the anonymous archive indicates its necessary belonging to the place, a place that in itself is pure narrative and that relates globally to the situation in which the media construct the narratives about the pandemic itself.

The project entitled Las Socias (2019-2021) is a video game directed by Ana María Millán and Las Andariegas, in which six people travel through nine worlds facing various problems. They possess powers to create new worlds through four elements: fire, water, plants and earth. In this sense, the video game is closely related to the section dedicated to planet earth, where women are vindicated for their struggle for good living and peace. The project also reveals new forms of relations between living beings and ecosystems in a fictional world that, beyond destruction and emergency, seeks an ecofeminist and harmonious relationship with life itself.

In short, our exhibition has an in-depth reflection on the most burning issues in this historical moment in which life realizes the need for a community immunity through resistance practices for which art becomes a ally and exponent.

Finally, all the artists present in this project, Pandemic Community, both emerging and invited and consolidated artists, have in common the concern for an art that goes beyond aesthetics to make ethics a space of their own and shared. Through their public art projects; video art; performance; transmedia; installation; participatory intervention; workshops; graphics; photography; sculpture and objects; show us that the pandemic or post-pandemic community, as many like to name, connects our bodies and also our sensibilities in a community and artistic reflection crossing borders and limits.

Thanks

This exhibition, Pandemic Community / Pandemic Community, 2022, as well as the two previous ones that make up the trilogy (Pandemic House / Pandemic Home, 2020 and Pandemic City / Pandemic City, 2021)has been possible thanks to the continuous effort of the artists present in the exhibition, their reflections and their praxisEllas are the engine of this initiative.

I must also thank the artist and cultural manager Roser Colomar for her collaboration in this project through the workshop taught.

Finally, thanks to the Universitat Politècnica de València and especially to the Area of the Student House, its direction Ximo Mora and the Vice-rectorate of Students and Entrepreneurship of the UPV for their support and confidence.

Transverse Aesthetics is a research and experimentation program at the crossroads between art, mediation and social space. A place of confluence between artistic practices as a space for critical research; mediation actions as a space for content production, interaction and transfer of learning; and the context as a space of relationship between a work theme and a certain active social space around it.

The framework of the programme proposes to work from the tensions, paradoxes or connections that are generated between the terms Immunity and Community. Usually the concept of community is used to value a group of people who share elements that give them a certain specificity, be it identity, place, ideology, beliefs, or other elements of belonging to a collective (or group of people) that maintains ties of connection between them and that for one reason or another, makes them distinguishable in relation to the others, but also unites them, strengthens them and immunizes them.

In this sense, the concept of immunity reappears strongly in this specific context of pandemic, and is related to the community since it refers to what protects it from what a community identifies as threatening or dangerous. From this perspective, the community and immunity form a whole that retreats on itself, trying to establish protection and isolation to avoid any external contagion, offering links, relations of proximity and organization in the face of a threat, but also, it can establish border, rejection or fear of otherness.

Both concepts are treated by Roberto Espósito[1], in a direction that we are interested in taking to adapt them to this project. According to this author, taking into account the etymological root of the word and questioning the neoconservative and negative component that they entail, he proposes that the community opens, exposes, turns the individual towards his own outside, frees him towards his exteriority. It is not the place of identity, of belonging, of appropriation, but, on the contrary, of plurality, of difference or otherness. Immunity, according to Espósito, retracts the individual into himself, secludes him in his own skin, turns the outside inward, eliminates it as soon as outside.

In a context such as the current one immunity is perceived as the general objective, as the globalized cure that must preserve the different communities of contagion. And this extends beyond the sanitary, it is established as policies that reaffirm national, neighborhood and domestic territories. Techno-politics of immunity and fear contribute to generating closed communities that foster inequality.

But also, in this tension, other dimensions of the concept community are opened, where communities of knowledge related to ecology are generated, with dissident archives, local memories, virtual communities, interspecies communities, and a long etcetera, where the community becomes almost a militancy; the resistance and the survival supposes, precisely, to strengthen its community dimension to immunize itself before the globality.

The philosophy of this project operates under the premise of imagining possible futures where self-care and mutual care or care of our environment are placed in the foreground, for an improvement of subjective relations, and a recovery of the community as public res, as a space of the common, of affectivity and of learning, identifying the dangers of becoming an environment of difference and/or exclusion. It is from this perspective that we propose a critical workspace, problematizing the concepts of community and immunity, as a metaphor for the flow of connections with the inside and the outside, with us and the other, as an opening space and occasionally overflowing, where the contagion also allows to incorporate new strange organisms, survive them and rediscover the balance that contributes to recover the sociability, especially this context of pandemic.

If the raw material of social life is co-presential interactive sociability[2] we have now learned to coexist in a regime where this co-pressentials interaction is subjected to the strategy of isolation and the construction of the bubble community. This fruitful and found relationship between community, immunity, encourages us to open this call for projects that propose creative responses to the complexity of this approach, which is at the same time the complexity of our most recent contemporaneity.

Within the framework of this project and taking the theme of tensions and connections between Community and Immunity, Mau Monleón Pradas is invited, artist, curator and teacher of the subject “Tactics of intervention of public art” of the Degree in Fine Arts of the Universitat Politècnica de València, to participate in a workshop coordinated by Roser Colomar de Idensitat, called Pandemic Community, to address together with the students of this symbol some of the key concepts that cross the project, such as community, care or strategies or networks that we establish to immunize ourselves against a new reality marked by fear of contagion, social distance or isolation.

The situation arising from the COVID 19 has made it impossible for the artistic community to come together in its historic meeting spaces: openings, festivals, theatres and cinemas, collective actions… In an area such as art, where the relational dimension is so important for the creation of work and personal ties, for mutual support between artists and their production network, even for edges whose methodology is often based on collaboration, What happens when immunity and the danger of contagion fragments the artistic community? How can we reinvent community spaces for artists and cultural agents where we can immunize ourselves against this situation and continue to relate as a sector? How can we imagine spaces for our encounter and relationship in this new present context? Is this class, of this subject, a possible opportunity to generate an artistic community and produce from this starting point in the midst of all this chaos?

During the 1990s, hundreds of people experienced one of the largest health emergencies (and institutional neglect) in our recent history: HIV. A virus that strongly attacked the bodies, the possibilities of affection, and also, served as a stigma towards the LGBTI community as well as carte blanche to generate many of the narratives of class and gender hygiene, also linked to concepts of Community Immunity. In this context, some artists produced iconic pieces of art where they denounced the institutional helplessness, the lack of resources to sustain their health conditions and made visible the support and care networks that arose among family members, friends and members of the LGTBI collective faced with the abandonment and stigma of a society in full capitalist expansion.

The performance Carring by Pepe Espaliú (3) was one of the most interesting examples in that sense; an action of great beauty and strength that serves us in this workshop as an example of artistic ac-
tion where these concepts are clearly appreciated. The artist is transported by couples of friends and acquaintances from the door of the Congress of Deputies to the Reina Sofía Museum, two of the institutions that as an artist and as a citizen go through him in his situation of vulnerability and exclusion because of HIV. A kilometer in total that Espaliú repeated in Madrid and San Sebastián, where a game of sonorities is established between the concepts sustain (carrying) and care (caring), and where the artist visibilizes and values the work of the network of care, the emotional support and emotional burden sustained by their community in the absence of an institutional response to this crisis.

So, the objective of this workshop is to propose gestures or minimal exercises from our artistic practices that expand the sense of community / immunity to open a way to rethink the words commu-
nity-immunity beyond the pandemic sense, where social distancing, individualisation, de-socialization, communal isolation, increased techno-presence, fear of contagion, or the desire to achieve immunity have reappeared in our relations as an artistic community, with otherness, and also with our own bodies.

In this practice, the students identify some face-to-face or virtual spaces that have been key in their artistic communities from 2020 until today, communities that have created them and themselves or that have sustained them during these two years. The workshop has had different initiatives linked to the image, video, audio, performative actions or the activation of a public space.

Participants: Mau Monleón Pradas, teacher, artist and curator, with students: Marina Osca i Redón, Paula Navarro Pérez, Alejandro Nehru Martínez Richart, Miguel Ángel Tudela, Antonio Martínez Gallego, Sabrina Ayelen Fonseca, Sandra Jover Ruano, Irene Monje Martínez and Pia Altmann.